XX a. Menas pavasario-vasaros kolekcijose
PAPILDOMOJE WONDERZINE HEAD pasakoja apie tendencijas iš podiumo, kuris gali būti pritaikytas jūsų drabužių spinta per ateinančius šešis mėnesius. Šiame numeryje aptariame ryškiausią sezono tendenciją - meną, kuris atsirado pavasario-vasaros kolekcijose iš Prados Prabal Gurung.
Kaip viskas prasidėjo
Meno pasaulio idėjos visada turėjo įtakos drabužių ir audinių projektavimui. 1920-aisiais avangardas ir Fauvistai, vadovaujami Henri Matisse, įtakojo madą, kurią galima atsekti Pauliaus Poireto drabužiais. Madeleine Vionne mėgsta kubizmą ir naudojo drabužius geometrinėmis formomis ir linijomis, o futuristinis menininkas Ernesto Tayat sukūrė savo namų „Vionnet“ logotipą. 30-ajame dešimtmetyje atsirado aistros siurrealizmui. Elsa Schiaparelli sukūrė mygtukus saldainių ir žemės riešutų pavidalu ir buvo draugiška su Salvadoru Dali ir Jeanu Cocteau, parodydama šilko suknelę su omarais, švarką, vaizduojančią moterį, kurios ilgi plaukai nubėgo po rankovėmis ir rankomis apvyniotas juosmens. Šios ir kitos idėjos atsiras daugiau nei vieną kartą šiuolaikiniuose dizaineriuose, įskaitant rusų kalbą (apie Aleksandro Terekovo kolekciją rudenį – žiemą - 2013).
Penkiasdešimtas ir šešiasdešimt dešimtmetis tapo laiku, kai mada, muzika ir menas susipynė, o spalvų televizijos atsiradimas baigė vizualinės kultūros proveržį. Tuo pat metu atsirado vartojimo kultūra, replikacija ir masinė rinka - viskas, kas iki šiol neprarado savo pozicijos. Jauni žmonės įsilieja į kūrybines koledžas ir universitetus, o Londone ir Niujorke tapo madinga būti dizaineriu, fotografu, modeliu, grafiniu ar mados dizaineriu (ir niekada nustojo). Dizaineriai, persikvalifikavę į roko žvaigždes (pavyzdžiui, Pete Townsend iš The Rolling Stones iš Keith Richards arba Keith Richards), ir menininkai sukūrė plakatus, skirtus koncertams ir albumų viršeliams.
Pop-art menininkų vardai žino viską: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - jie pirmieji atspindėjo vartotojų visuomenę ir populiariąją kultūrą, vaizduodami, kas čia ir dabar domina žmones (reklama, televizija, prekės iš parduotuvių). Pop-art tėvas laikomas britu Richardu Hamiltonu, kuris sukūrė pirmąjį ir garsiausią koliažą „Taigi, kas daro mūsų namus taip skirtingus, taip pat patrauklius?“. 1956 m. Roy Lichtenstein eksperimentavo su komiksų ir animacinių filmų vaizdais. Andy Warhol, prieš tapdamas menininku, dirbo iliustratoriumi, atrodo, kad visose madingose redakcijose Niujorke buvo tinkami ryšiai ir žalią šviesą žanrams. Johno Cale iš Warholo remiamo „Velvet Underground“ buvo susituokęs su mados dizaineriu Betsy Johnson, kuris neseniai 72 metų amžiaus atnaujino drabužių gamybą. Tuo metu „Betsy“ sukūrė juokingus marškinius pagal „Youthquake“ etiketę ir dirbo viename iš pagrindinių laikraščių Niujorke - „Madison Avenue“ reikmenys, kurie bendradarbiavo su Edie Sedgwick ir Warhol, kurie savo ruožtu nudažė popierių parduotuvei. mini suknelės ir pirkinių maišeliai (tuomet buvo naudojami vienkartiniai drabužiai).
60-ojo dešimtmečio pop-art žydėjimo metu buvo reikalingas pigus ir greitas dizainas - parduotuvės greitai reagavo į žmonių pageidavimus. Pavyzdžiui, „Biba“ parduotuvė „Abingdon Road“ kas savaitę atnaujino savo kolekcijas - tai technika, kuri dabar sėkmingai vykdo masinę rinką. „Twiggy“ rašė: „Viskas išėjo iš mados taip pat greitai, kaip ji buvo.
Nepaisyti pop meno buvo neįmanoma. Yves Saint Laurent išrado sukurtus suknelius su paraiškomis širdies, moterų profilių ir lūpų pavidalu, kurie neseniai interpretavo Edie Slimane. Po Saint-Laurent kolekcijos "Mondrian" 1965 m. Stephen Willats sukūrė panašią suknelę "Changing Sheets", bet tik iš modernių vinilo. Pierre Cardin eksperimentavo su vinilu, o Roy Halston sukūrė sukneles su 1964 m. „Warhol“ „Gėlėmis“, kurią Miuccia Prada citavo 2013 m. Pavasario-vasaros kolekcijoje.
Devintajame dešimtmetyje menininkas Keithas Haringas, žinomas dėl savo pop-art grafito, atidarys Niujorko Pop parduotuvę, kurioje jis su savo kūriniais parduos marškinėliai. „Vivienne Westwood“ taip pat dirbs su „Haring“ devintajame dešimtmetyje „Witches“ kolekcijoje, kur britai atgamins menininko kūrinius su šviesiomis spalvomis, o šiandien „Haring“ darbai ant marškinėlių yra „Uniqlo“ prekės ženklo, kuris taip pat išleido bendradarbiavimą su Niujorko modernaus meno muziejuje. 1991 m. Pop menas dar kartą įrodys, kad italų Gianni Versace sukurs tvirtą suknelę su trafareto rūgšties spauda, susiduria su Marilyn Monroe ir James Dean. Nesuderinamų suknelės spalvų papildymas bus šokio stiliaus bustieris, papuoštas rhinestones ir audinio aplikacijomis. Jauni Naomi Campbell pasirodys šioje suknelėje, o Condé Nast prezidentas Nicholas Coleridge pastebės, kad „Versace“ klientas nėra apkrautas „aukšta morale“.
Kaip dėvėti meno įkvėptus dalykus
Dizaineriai yra ne pirmasis sezono žvilgsnis į meną, tada ant drabužių atspaudų, garsių menininkų reprodukcijų (čia dažnai cituojami Bosch ir Gauguin), tada bendradarbiaujant su šiuolaikiniais menininkais. Tačiau šį sezoną pastebimas dėmesys buvo skiriamas pop menui, nors tai nebuvo daroma be Gauguin (mes matėme jo reprodukcijas „Aquilano.Rimondi“ parodoje ir „Couture“ kolekcijoje Maison Martin Margiela). Su 60-aisiais ir pop-art, šiuolaikinės mados yra susijusios ir komercializuoti mados ir meno. Ryškiausias pop meno pasireiškimas buvo „Prada“ kolekcija - Miuccia Prada persvarstė šiuolaikinių ir gatvių menininkų darbą: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra ir kt. Be to, tapo populiari keletas elegantiškų sankabų gaminančių prekių ženklų: Sarah krepšys pasižymi Roy Lichtenstein kūriniais, Yazbukey sukuria ryškias sankabas, kurios yra cigarečių ar dantų pasta, britų Lulu Guinness, forma lūpų pavidalu. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott ir Ashish apie pop meną, šuo valgė: čia jūs ir Coca-Cola, ir spauda kaip prevencija televizijoje.
Be to, Jeremy Scott, „Moschino“ kito sezono kolekcijoje, kurioje yra aprangos suknelės, cituoja pirmuosius dalykus, sukurtus reklamai 1956 m., Ty „Midi Martini“ etiketės ilgio sukneles ir sijonus, kurie buvo puošti visiškai su pirmųjų roko gerbėjų dėvimais prekės ženklais. Nemokami festivalio gėrimai. Christopher Kane sukuria sijonus su atspausdintomis spalvomis, primindamas 60-ųjų dešimtmetį. Raf Simons už Christian Dior naudoja pop-art - logomania metodą. „Missoni“ įkvėpė japonų komiksai. „Kenzo“ nurodo šiuolaikinę grafiką ir piešinį su pieštukais. „Prabal Gurung“ sukuria „Marilyn Monroe“ pagarbą. „Preen“ taikomas suknelės abstrakcijai.
Keletą prekių ženklų iš karto įkvėpė abstraktus ekspresionizmas, visų pirma Jackson Pollock ir Mark Rothko kūriniais. „Chanel“ kolekcijoje „Lagerfeld“ išspausdino spaudinius ant drabužių šviesių dažų purslų pavidalu ir papuošė 75 meno kūrinius su Chanel namų simboliais; paveikslai, skulptūros ir įrenginiai po parodos buvo perkelti į Paryžiaus Didžiąją Palatą. Prieš išvykdamas Jil Sander, Gilles Zander taip pat įtraukė keletą lankų su abstrakčiais atspaudais naujausioje monochrominėje pavasario-vasaros kolekcijoje. „Phoebe Failo“ išleido kolekciją „,eline“, kuri, kaip atrodo, atitiktų fauvizmą ir didelę parodą. "Henri Matisse: „The Cut-Outs“, kuris vyksta iki „Tate Modern“ iki rugsėjo, net Calvin Klein apima vieną lanką su abstrakčiais atspaudais.
Kaip sako britų dizaineris Jonathanas Andersonas, parodydamas pelno nesiekiančias kolekcijas, kritikai jau seniai galvojo: „Man niekada nebuvo meno forma. Jūs negalite palyginti menininko ir dizainerio. Skirtumas yra tas, kad menas nepatenka į pardavimus, o priešingai, per daugelį metų jis auga, tačiau į mados muziejų patenka reta suknelė.
PRIEŽIŪRA!
Maži demokratiški prekių ženklai jau seniai mėgsta naudoti meną komerciniais tikslais, tačiau paprastai tai daro frontaliniu būdu. Saugokitės abejotinų džemperių ar maišelių su „Bosch“, „Van Gogh“ arba „Campbell“ sriuba. Jei nesate pasirengę mokėti už didžiojo menininko darbą dėl brangios sijono, geriau rinktis dalykus su abstrakčiais atspaudais - tokie yra, pavyzdžiui, „Zara“ kolekcijoje. Geras pirkimas bus dalykas nuo bendradarbiavimo su šiuolaikiniais menininkais. Ir nepamirškite, kad svarbiausias dalykas - neįprasti dalykai reikalauja kruopščiai veikti: sujungti juos su kažką minimalistiniu ir palikti hipertrofizuotą ekscentriškumą Joanui Aguzarovui ir Andrejui Bartenevui.
Nuotraukos: „Tate Modern“, „Getty Images“ (4)